Conforme Edital, a Adufmat-Ssind divulga, EM ORDEM ALFABÉTICA, a lista de artistas classificados para a final do Festival Contra Atacar, cujo resultado final - ganhadores e suas classificações - será anunciado no dia 07/07, às 19h, durante a realização online ao vivo do Festival Contra Atacar, nos canais oficiais da Adufmat-Ssind.

Categoria Poesias

Adham Dantas (Cotidiano)
Deh Galeano (Isso favorece quem)
Malu Pimentel (Luto pelo mundo)

Categoria Músicas

Alexandre Smile (Contra atacar)
Glaucos Luis (O representante)
Luth Peixoto (O Sonho na voz do povo)
Renata Cristina (Gente que Sonha)
Zeh Gustavo (O que é bom cultuar)

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Espaço Aberto é um canal disponibilizado pelo sindicato
para que os docentes manifestem suas posições pessoais, por meio de artigos de opinião.
Os textos publicados nessa seção, portanto, não são análises da Adufmat-Ssind.
 
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Roberto Boaventura da Silva Sá

Dr. em Jornalismo/USP. Prof. de Literatura/UFMT
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          Para que a intenção deste meu artigo seja preservada do título ao seu final, começo dizendo que “Dias-Pino” é o sobrenome de Wlademir, o poeta crescido em Cuiabá que mais rompeu com as fronteiras regionais e nacionais.
       Dias-Pino é referência internacional, pois, no final dos anos 40, em Cuiabá, fundou o movimento literário de vanguarda, ao qual chamou de “Intensivismo”, que já trazia, em sua essência, inovações formais antecipadoras da radicalidade da poesia visual e das artes plásticas, principalmente, dos anos 50 e 60.
          Logo após, Wlademir regressou ao Rio, seu estado natural, de onde saíra, em 1936, por conta de perseguição política sofrida por seu pai: ditadura Vargas.
           A título de exemplificar a substância artística de Wlademir, de sua densa biografia, destaco apenas um tópico: ele foi reconhecido por seus pares do mundo artístico como sendo o primeiro poeta a elaborar o conceito de "livro-poema", com o poema A Ave.
          Em toda sua trajetória artística, a forma das coisas sempre ocupou centralidade. Por ela, Wlademir estabeleceu e antecipou um tipo de comunicação poética e estética até então não experimentada no País.
            Nesse sentido, a logomarca da UFMT talvez seja uma de suas criações mais conhecidas, principalmente pelos mato-grossenses. Conforme sua própria explicação, aquelas formas geométricas significam que, “caindo uma pedra na água, há, na superfície, uma expansão territorial, que foi a própria edificação da Universidade, e, na medida em que essa pedra atingia, abstratamente, a profundidade cultural, ela também seria um fator físico de medir a profundidade da cultura, uma coisa abstrata, até que encontrasse o ponto do chão final. Além disso, era necessário que fosse uma coisa bem definida entre o preto, o branco e as áreas, e que não fossem também simples alvos, mas tivesse um elemento quadrado, em que se dê um close no alvo”.
             Mas por que estou falando de Dias-Pino?
           Porque me junto às vozes – capitaneadas pela Casa Silva Freire – que estão reivindicando pelo retorno de sua escultura "Árvore de Todos os Povos", retirada da Praça 8 de abril, por conta de uma reforma ocorrida em 2019. Vale lembrar que aquela escultura era acompanhada do mural de Adir Sodré, outra renomada referência artística de MT.
          A título de lembrança, a “Árvore de Todos os Povos”, instalada em setembro de 2008, contempla o projeto para a Praça Cívica do Estado de Mato Grosso escrito por Wlademir Dias-Pino, Célio da Cunha e Silva Freire entre os anos de 1975 e 1979. Este projeto está alinhado com o tombamento da Praça 8 de Abril, garantido pela Constituição do Estado de Mato Grosso de 1989, em seu Art.º 40 das Disposições Constitucionais Transitórias, estabelece que: ‘Fica tombado o espaço público onde se localizam os jardins da Praça Oito de Abril, em Cuiabá, destinado à criação da Praça Cívica do Estado de Mato Grosso”.
          Por sua vez, a Lei Estadual nº 9.244, de 18 de novembro de 2009, reconhece, em seu Art. 1º, que o Movimento do Intensivismo “constitui forma de manifestação cultural popular, em se tratando de uma escola literária originalmente mato-grossense, e como tal, digna do cuidado e proteção por parte do Poder Público”.
         Para agravar a subtração artística da referida praça, em seu lugar foi construído um kitsch, com direito a pedras, águas e tuiuiús. Quando vi aquela permuta, fiquei perplexo, mas, por questões de doença, acabei não me pronunciando no momento exato. Agora, antes tarde do que nunca, faço esse reparo publicamente por meio deste artigo.
            A quem possa desconhecer o significado do kitsch no universo das artes, vale dizer que ele se originou nos espaços da burguesia que se consolidava no século 19. O burguês que não conseguia ter o original de uma grande obra de arte contentava-se com sua imitação, via de regras, grosseira.
           O kitsch, necessariamente, tem o registro do exagerado uso de clichês e chavões, ou seja, dois recursos dos quais um artista de qualidade quer distância. Resumo da ópera: trocar uma obra de arte original, de renomados artistas, por “kitsches”, é uma descida de tom que poderia ter sido evitada.
           Por conta do exposto acima, reforço o pedido popular, materializado por uma petição, pelo urgente retorno da escultura “Árvore de todos os povos”. O privilégio de poder apreciar obras de arte, de artistas ímpares, em simbólica praça pública da capital de Mato Grosso, não é para qualquer cidade. Aproveitemos, pois, desse privilégio.

CAROS DOCENTES

Neste ano que já se aproxima de seu término, a sociedade brasileira tem experimentado situações tão estranhas quanto inaceitáveis. A ameaça do retorno do AI-5, um dos atos mais cruéis da ditadura militar, foi apenas um dos inúmeros exemplos proporcionados, principalmente, por agentes governistas.

Diante desse quadro, o Instituto de Linguagens encerrará o conjunto de seus saraus (SarArt), realizados durante 2019, tematizando exatamente essa tentativa de imposição da censura ao povo brasileiro:

Como sempre ocorre nesses encontros artísticos do IL, todos os presentes poderão ser partícipes efetivos, declamando poemas, cantando, dançando, pintando, compartilhando depoimentos...

Por menores que sejam as ações contra qualquer tentativa de imposição da censura a qualquer sociedade, elas são fundamentais neste momento.

Compareça.

NÃO SE OMITA.

NÃO SE CALE.

Roberto Boaventura da Silva Sá

Diretor do IL

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O Espaço Aberto é um canal disponibilizado pelo sindicato
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Os textos publicados nessa seção, portanto, não são análises da Adufmat-Ssind.
 
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Roberto Boaventura da Silva Sá
Dr. em Jornalismo/USP; prof. de Literatura/UFMT

A interrogação do título acima foi inspirada em “Paranoia ou mistificação?”, artigo escrito por Monteiro Lobato contra a exposição que Anita Malfatti realizou, em 1917, após ter voltado da Alemanha, berço do Expressionismo.
 
Impiedoso, Lobato desconsiderou a arte de Malfatti, embora reconhecesse seu “formoso talento”; inconformado com as inovações da exposição, disse:
 
“Há duas espécies de artistas. Uma composta dos que veem normalmente as coisas... A outra dos que veem anormalmente a natureza, e interpretam-na à luz das teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes...”
 
Para Lobato, a segunda espécie cairia nas “trevas do esquecimento”.
 
Anita não caiu.
 
Mesmo ciente do erro lobatiano, correndo, pois, o mesmo risco seu, digo: grande parte da produção musical do que – hoje – se propõe a cantar a vez e “a voz do morro” não passa de relatos de vida.
 
Para reforçar a contundência dessa afirmação, tomo um “relato poético” de Drummond, que, no “Poema de Sete Faces”, enuncia sua trajetória existencial:
 
“Quando nasci, um anjo torto// desses que vivem na sombra// disse: Vai, Carlos! Ser gauche na vida” (...)// Meu Deus, porque me abandonaste...// se sabia que eu era fraco (...)// Mundo mundo vasto mundo// se eu me chamasse Raimundo// seria uma rima, não seria uma solução...”
 
Mesmo na art engajé, há de se fugir da panfletagem. Até para denunciar a vida de miséria e violência das favelas, ou tratar do racismo, ou explicitar a condição social feminina e/ou do gay etc, há de se ter (e)labor(ação) poética(o), como nos versos drummondianos acima.
 
Ao artista, relatar não basta. Se – no plano da linguagem – não houver elaboração para a expressão artística, aquilo que se pretende/vende como arte não passa de denúncia de uma conjuntura social, econômica e política de exclusão e desigualdades.
 
O fato de relatos virem acompanhados por batidas envolventes, geralmente eletrônicas e repetitivas, por si, não é suficiente para elevar qualquer texto/discurso à condição de arte, por mais dorida e verdadeira que seja sua essência. Arte é suprarrealidade; não é a realidade em si.
 
Portanto, como relatos, respeito os discursos vendidos com registros musicais de inúmeros rap, funk... Como arte, não. Ao dizer isso, estou me afastando da hipocrisia e da visão populista de arte, mesmo quando me circunscrevo ao universo da arte popular.
 
Nessa perspectiva, exemplifico o que considero arte que pode dar voz a brasileiros das periferias, aos negros, a pobres, a mulheres, gays et alii.
 
No séc. 19, o romance que tem o olhar voltado aos da periferia é Memórias de um Sargento de Milícias de Manuel Antônio de Almeida. Já pelo processo de nominação das personagens, vê-se arte em suas páginas. Genial.
 
Muitos outros da arte-denúncia poderiam ser listados. Para este artigo, elejo Chico César: um negro, pobre, que nasceu em Catolé do Rocha (PB), driblou dificuldades para estudar em Caicó (RN) e depois em João Pessoa (PB). Um gênio. Na música autobiográfica “A prosa impúrpura do Caicó”, esbanja talento:
 
“Ah! Caicó arcaico// Em meu peito catolaico// Tudo é descrença e fé// Meu cashcouer mallarmaico// Tudo rejeita e quer”.
 
Isso é relato, mas tão genialmente trabalhado que poucos chegam a compreendê-lo no cerne. Esses versos acionam referências repertoriais, tanto do universo cultural nordestino, quanto de Mallarmé, o poeta francês de Un coup de dés, que divide as águas da literatura ocidental.
 
Quando há talento, um relato vira arte maior. Do contrário, engana-se e viraliza enganos.
 
..........................................
 
PS.: por falar em arte, reforço meu convite já feito: domingo (17/06), às 20h, no Espaço Mosaico (Rua Floriano Peixoto, 512), realizarei uma experiência artística denominada “Só de Pérolas”, no qual cantarei, ao lado da cantora japonesa Akane Iizuka, um conjunto de músicas brasileiras poeticamente bem elaboradas. As músicas serão entremeadas por textos literários. Estão todos convidados. 

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Roberto Boaventura da Silva Sá
Dr. em Jornalismo pela USP/Professor da UFMT
 

Na antiguidade, o romano Terêncio – dramaturgo e poeta – dissera um enunciado lapidar: “Eu sou homem, e nada do que é humano me é estranho”.

No início do século XX, o russo Mikhail Bakhtin – filósofo da linguagem – apontara-nos que nenhum signo verbal se realiza fora de um contexto social.

Sendo assim, o enunciado de Terêncio – para o bem ou mal – tinha alvo mirado. Do nada, aquele romano “das antigas” não teria dito aquilo.

De minha parte, tenho relutado em aceitar a frase terenciana, principalmente quando sua seta está mirada para o que há de pouco nobre nas realizações do humano, que não são poucas e tampouco suaves; custa-me crer em muitas coisas das que fico sabendo. Deliberadamente, evito saber de muitas coisas.

Todavia, nem sempre essa disposição fica incólume, pois, assim como Terêncio, sou um ser da espécie humana; logo, bakhitiniamente falando, um ser eminentemente social.

Por essa destinação, uma vez que não sou árvore, pedra ou outra coisa qualquer, dias atrás, fui informado da existência de Jojo Todyinho, uma “artista” até então desconhecida por mim.

Pois bem. A referida “artista” conseguiu me chocar, não pelos gigantescos seios, que parecem ser sua marca artística, mas por sua ascensão meteórica; num estalar de dedos, eis que começaram a surgir convites para shows, com altos cachês, participação em programas de TV, entrevistas e matérias jornalísticas; até artigos de opinião, como este, por exemplo.

Resumindo: isso tudo, somado a outros meios de divulgação, resultou em Jojo Todyinho:  “artista” de projeção, que, paradoxal e obviamente, não tem peso artístico algum. Sua “obra” solo é entretenimento chulo a mentes vazias; por isso mesmo, naturalmente, agiganta-se; é quase imbatível. Contudo, pouca coisa se poderá criar depois de sua presença no mercado das futilidades, vendidas, aos desatentos, como manifestação artístico-popular da periferia. 

Para provar que não há arte em seu trabalho, destaco alguns “versos” produzidos por essa funkeira, de 21 anos, que saiu da internet para ocupar espaços antes impensáveis:

Que tiro foi esse?// Que tiro foi esse que tá um arraso?!// Que tiro foi esse, viado?// Que tiro foi esse que tá um arraso?!// Samba na cara da inimiga// Vai, samba// Desfila com as amigas...// Quer causar, a gente causa// Quer sambar, a gente pisa!// Quem olha o nosso bonde, pira// Quer causar, a gente causa...”

A transcrição acima é um exemplar, longe de ser único, do baixíssimo patamar cultural e educacional em que já chegou nosso país. Temo pelo dia em que só nos restará o bizarro, pois sua naturalização é humanamente espantosa.

Mais do que nunca, precisamos de políticas públicas para as verdadeiras manifestações culturais. Contudo, teremos de ter discernimento entre o que de fato é manifestação cultural de nosso povo e o que não passa de produto mercadológico; afinal, em sociedades capitalistas, sobretudo, e sobre todas, nada do que é humano pode espantar alguém.  

P.S.: já findado o artigo, fiquei sabendo, pelo UOL, que Todyinho acabara de lançar outro hit: "Vou Com Tudo". Nele, a “artista” enfrenta uma amiga falsa e ordena: “Tira a mão das minhas gavetas, bebê”.

Conforme explicações suas, esse bordão pode ser traduzido por: “Você está levando a pessoa no ‘blindão’ e a pessoa fica de sacanagem”.

Detalhe: a funkeira, apoiando-o nos volumosos seios, assinou um contrato com a Universal Music para o lançamento desse e dos próximos singles.

Trauma foverever.

Um país culturalmente rico não merecia tamanha indigência.

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Benedito Pedro Dorileo

O sentido da beleza independe do desejo, como contemplação pura da arte. No teatro, o ator assume o comportamento humano em sua magnificência, generosidade, grosseria, indignidade, vulgaridade e maldade – exprime o caráter do ser em sociedade. Platão sustenta uma existência autônoma da beleza, distinta do suporte físico, tal como a feiura externa e beleza interior.

A UFMT, em 1972, foi questionada pelo MEC do porquê criar um Departamento de Artes, já que não possuía um só curso na área. Difícil, todavia, explicado. Estava germinando a extensão. A ‘universitas’, essencialmente, prevalecia. Do espernear para consertar os cursos preexistentes, adaptar-se às circunstâncias históricas para não perder a oportunidade de legar uma Instituição superior fincada no cerrado cuiabano, onde há pouco prevalecia ‘a dor e o ranger de dentes’, diante do esquecimento do Centro-Oeste brasileiro.

Os três antigos colegas salesianos, Gabriel, Dorileo e Attílio, liderados pelo primeiro, tiveram coragem e contaram com o apoio dos companheiros professores e técnicos fundadores, e fizeram. Continuar é obrigação.

Da Arte praticada, com a primeira chefia de Marília Beatriz, chegou-se, em 1982, com o Teatro Universitário. O Estado não possuía uma sala de espetáculo na concepção hodierna, com os requisitos que a tecnologia oferece. Aplauso a Júlio Müller que, neste sertão bravio, deu-nos o Cineteatro na década de 1940, quando o nosso meio de comunicação era o Rio Cuiabá e o telegrama de Rondon.

Se o italiano Aldo Calvo, o homem reformador do teatro de Milão, após a segunda grande guerra, foi convocado, ou se o polonês Igor Sresnewski também veio definir a acústica, tivemos gente nossa como Fernando Pace que, além de atuar na parte interna, criou o museu dos tachos de cobre do Rio-abaixo, trazendo exemplares de tamanhos diversos – peças que carregam a história da industrialização da cana, com vanguardismo e dor da escravidão – devem ser juntados, novamente, no foyer para que todos sintam e pesquisem. A jovem UFMT recebeu pela vez primeira todos os reitores das Universidades Brasileiras, compondo o Conselho – que foi responsável pela Reforma Universitária de 1968 – que extinguiu, corajosamente, a cátedra para democratizar o ensino superior com o Departamento. O Conselho de Reitores das Universidades Brasileiras, nestes tempos, foi relegado pelas universidades públicas, sob o impulso da República disposta, intensamente, à multiplicação de sindicatos.

Tínhamos a XXIV reunião em Cuiabá. No palco, o reitor Gabriel e Tônia Carrero inauguraram, no dia 26 de janeiro de 1982, o Teatro Universitário, com a presença do Ministro de Educação Ruben Ludwig. A primeira dama do teatro brasileiro Fernanda Montenegro declinou da honraria para indicar a beleza de Maria Antonieta de Farias Portocarrero, nascida na antiga capital federal. Estava lá a autora da obra O Monstro de Olhos Azuis. O colunista da Folha de São Paulo, Ruy Castro asseverou: ‘Tônia Carrero era maior que a vida’, dado o seu passamento neste mês de março, no dia 3, com 95 anos de idade. Foi ícone do teatro, com brilho, ainda, na televisão e no cinema. O derradeiro papel, em ‘ Um barco para o sonho’, peça dirigida pelo neto Carlos Thiré; e no cinema, em ‘ Chega de Saudade’, de Laís Bodanzky, em 2007.

Segue logo a estreia, em 8 de fevereiro seguinte, com apresentação da peça de Mário de Andrade, Macunaíma, homenageando o ator e o  autor brasileiros. Sob direção de Antunes Filho, foram 4 dias de apresentação. Em dado momento apenas, o talco revestia o corpo nu. Resplandecia o lado plástico da peça, personagens e luzes. A grande imprensa brasileira fez o registro.

Antes, João Felício dos Santos, autor de Xica da Silva, visitando o campus em obra inaugural, exclamou, e produziu página inteira em Jornal de Minas, afirmando: ‘ a coisa de bom que o MEC apoiava, estava em Coxipó da Ponte, em Cuiabá’.

Incorporou o Teatro Universitário no objetivo dos fundadores, em estender o quanto possível o conhecimento de maneira imediata para o povo. A Extensão foi cogitada intensamente, em meio ao ferro e cimento, ensino e pesquisa audaciosa do Projeto Aripuanã. Em 1976, a UFMT, em Seminário no Rio de Janeiro, aprovava o Manual de Extensão da UFMT para todas as Universidades, com Maria Manuela na coordenação. Curso e serviço devem ser levados o quanto possível para a sociedade. A Universidade é antes de academia uma Agência do Desenvolvimento. Temos docentes e técnicos em nível de excelência que introduzirão os estudantes nesta filosofia do servir, já – principalmente, nestes tempos em que a corrupção corroeu as finanças e a alma dos brasileiros.

                                                                           Benedito Pedro Dorileo

                                                                         é advogado e foi reitor da UFMT

Pintura, fotografia, literatura, arquitetura, cinema, liberdade e censura. O último dia do Seminário 100 anos da Revolução Russa, organizado pela Adufmat-Seção Sindical do ANDES-SN, abordou diversas expressões das artes desenvolvidas na União Soviética antes, durante e depois da revolução que mudou o mundo.

No período da manhã do dia 27/10, a mesa de debate "Arte na Revolução Russa: Rússia e México", ministrada pelo professor do Departamento de História da UFMT, Pablo Diener, apresentou esculturas, pinturas, fotografias e elementos da arquitetura de artistas como Alexander Rodchenko, Liubov Popova, Gustav Klutsis, Kazimir Malevich, entre outros.  

“Uma das maiores expressões desse período foi Kazimir Malevich. Ele acreditava que a arte deveria reproduzir o espírito da revolução, e desenvolveu o movimento conhecido como construtivismo”, explicou o docente.

Diener trabalhou as proximidades e diferenças das artes políticas russas e mexicanas, pois o México também viveu uma situação revolucionária em 1910. Entre os mexicanos que representam o período, o docente destacou José Orozco, David Siqueiros e, entre os mais emblemáticos, Diego Rivera, companheiro de Frida Kahlo.     

Durante a tarde, a professora Patrícia Acs falou sobre a literatura russa desenvolvida por Maksim Górki. Mestre em Literatura e Arte Russa pela Universidade de São Paulo (USP), Acs partiu do filme “A mãe”, inspirado numa obra de Górki, para demonstrar a visão do autor de que a literatura deveria retratar a realidade operária, inspirando o movimento artístico chamado Realismo Socialista.

“A mãe é uma obra pedagógica, inclusive para nós. Ela nasceu de uma necessidade do artista expressar as injustiças, fazendo também a crítica ao processo revolucionário. Ele demonstra que a revolução verdadeira não vem de cima para baixo e é assim também na arte. Dessa forma, A mãe, além de uma obra artística bastante rica, também é considerada a matriz do Realismo Socialista”, afirmou a professora.  

No início de sua exposição, Acs lamentou que a literatura russa seja tão pouco estudada no Brasil, e falou das dificuldades para encontrar obras traduzidas, evidenciando um pré-conceito da academia com a arte revolucionária.  

Para finalizar, o professor de História do campus de Rondonópolis da UFMT, Flávio Trovão, falou sobre a história do cinema russo a partir das obras de Sergei Eisenstein, conhecido pela obra Encouraçado Potemkin.

O docente iniciou a apresentação provocando os participantes sobre a possibilidade de o artista ser considerado um historiador, por ter retratado tão bem a Revolução Russa em suas tramas. “Essa é uma polêmica dentro da academia”, disse Trovão.

No cinema, o construtivismo citado na mesa de debate com Diener reapareceu, confirmando o diálogo com as artes plásticas e a intenção dos artistas ligados ao movimento de eliminar a alienação. “A ideia que eles pretendem passar é de que, se tudo é construção, tudo pode ser diferente”, explicou Trovão.

Num exercício de comparação, o professor afirmou que o cinema russo era exatamente o contrário do cinema americano. “O cinema russo desnaturaliza, enquanto o norte-americano naturaliza”, garantiu. Por fim, respondendo a polêmica que iniciou no início do debate, afirmou que Sergei Eisenstein pode, na sua leitura, ser considerado um grande historiador, pelas ricas informações que suas obras trouxeram da Revolução Russa.  

Nos próximos dias, a Adufmat-Ssind disponibilizará, no canal do sindicato no youtube, os vídeos dos debates realizados nos três dias de evento.

Luana Soutos

Assessoria de Imprensa da Adufmat-Ssind

Roberto Boaventura da Silva Sá

Prof. de Literatura/UFMT; Dr. em Jornalismo/USP

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Dedico este artigo à memória de Cazuza, um confesso filho da burguesia, a George Israel e a Ezequiel Neves. Juntos, eles cantaram o fedor dessa classe social, consolidada na França nos marcos de 1789. Para os três, “Enquanto houver burguesia/ Não vai haver poesia”.

Não mesmo. Nem sequer a genuína arte, incluindo a fotografia, como, p. ex., a mostra “Cinco Elementos do Cerrado” de Tchélo Figueiredo, que teve suas fotos censuradas por um bispo evangélico e seguidores, além da “recomendação” da Polícia Militar ao Shopping Goiabeiras (Cuiabá) para que as fotos fossem retiradas de um de seus corredores. A mostra – que exibia o nu artístico de mulheres em cenários típicos do cerrado – foi considerada inadequada para ser exibida em um shopping.

Excetuando alguns artigos que condenaram a censura, muitos leitores aplaudiram-na. E o fizeram dizendo que pelos shoppings transitam todo tipo de gente, principalmente a “família tradicional”: pai, mãe, filhos.

Aliás, as crianças foram os grandes escudos dessa grotesca e perigosa censura. Parece ter havido entre muitos leitores o acordo de que as “crianças não têm capacidade de entender aquilo”.

O “aquilo” trata-se do nu artístico; por isso, as crianças deveriam ser poupadas de ver as fotos. Em nome da pureza dos infantes, os adultos, repletos do cinismo burguês, acataram a censura. E quem acata uma censura está aberto a aceitar outras tantas que possam vir.

Diante de tudo, fiquei pensando o quão asfixiante é a nossa cultura; essa cultura que já nos coloca no mundo como corresponsáveis por pecados alheios. Consoante a Bíblia, Adão e Eva, ao desobedecerem seu Deus, de imediato, sentiram pudor de suas genitálias. Por isso, cobriram-nas com folhas. 

A imagem daquele arquetípico pudor, que em nada é salutar à mente humana, fica explícita na “Carta” que Caminha, em 1500, endereçara a Dom Manuel, rei de Portugal, sobre as pessoas aqui encontradas:

“(...) Em geral (os indígenas) são bem feitos. Andam nus, sem cobertura alguma. Não fazem o menor caso de cobrir ou mostrar suas vergonhas, e nisso são tão inocentes como quando mostram o rosto...”

Para os portugueses, as genitálias eram também chamadas de “vergonhas”. Para os indígenas, elas não passavam de uma parte a mais do corpo humano, do qual tudo tem função natural.

Que inveja tenho das culturas consideradas bárbaras por nós, civilizados e cristianizados. São tão naturais! Tão sadias! A nudez para esses povos é, ou pelo menos era antes de conhecerem nossa religião oficial, algo natural. Talvez por isso que, dentre os diferentes povos indígenas antes de quaisquer contaminações culturais, não tenhamos muitas informações – quiçá nem as tenhamos – sobre práticas do estupro, p. ex., algo típico de mentes doentias de sociedades como a nossa e congêneres.

É pena que os adultos comecem a desnaturalizar nossas crianças assim que elas nascem. É lamentável que os já adultos, com suas malícias à flor da pele, pensem que as crianças sejam ou possam vir a ser iguais a eles. E infelizmente serão mesmo. Se encarássemos a nudez com naturalidade desde a tenra idade, certamente não colheríamos tantos distúrbios incontornáveis.

Termino este artigo dizendo que a única cena que eu não gostaria de que as crianças vissem ou ficassem sabendo é que, naquele mesmo shopping, um dia, um trabalhador foi torturado, assassinado e jogado em um daqueles carrinhos que passam de loja em loja recolhendo o lixo que a burguesia produz.

Isso, sim, é inadequado. Ou não é?